CINEMA ABSTRAIT : PARADOXES & PLASTICITES (cycle avril de CINEFILS EL HAMRA)

Documentaire avant la lettre et "première œuvre d'art totale" du cinéma, un hymne constamment inventif et d'une extraordinaire beauté plastique à la capitale allemande et à sa vitalité, de l'aube à la nuit. (arte)

À la suite de son Opus I de 1919-1921, Ruttmann poursuivit ses expérimentations sur le film abstrait avec ses Opus II, Opus III et Opus IV qui furent très largement présentés et commentés dans les années 20. Les trois films furent présentés à la London Film Society le 25 octobre 1925 avec des notes de programme les décrivant comme des « études de motifs, avec un accompagnement de percussions ». Le jour suivant le London Times les décrivit comme « des films absolus - une série de motifs en mouvement qui produisent un effet des plus vivants chez le spectateur ». (Archipel)

" Je suis encore persuadé que le rythme, c'est-à-dire l'articulation d'unités de temps, constitue la sensation par excellence que peut procurer toute expression du mouvement dans l'art du cinéma. " Hans Richter
(Centre Pompidou)

Orchestration de formes géométriques de base (plus complexe que le dans le film Rythmus 21), selon des motifs rythmiques. La construction d'obturateurs au moyen de ficelles et de caches glissants permet à Richter de filmer les réflexions lumineuses sur l'écran, au lieu d'animer des papiers découpés. (Centre Pompidou)

"J'ai pensé que c'était l'objet négligé, mal mis en valeur qui était
succeptible de remplacer le sujet. Partant de là, ces mêmes objets qui me servaient en peinture, je les ai transposés à l'écran, leur donnant une mobilité et un rythme très calculés pour que tout cela fasse un tout harmonieux". (Fernand Léger)
(Festival de La Rochelle)

Classique du film expérimental, Anemic Cinema est une apothéose de la rotation : 7 minutes de plans fixes montrent successivement 19 disques rotatifs. Empruntées à Rrose Sélavy, 9 boutades comme "Inceste ou passion de famille à coups trop tirés", "Esquivons les ecchymoses des esquimaux aux mots exquis", "Avez-vous
mis la moelle de l'épée dans le poêle de l'aimée?" alternent avec 10 disques à spirales mesmérisantes.
(zumbazone)

The title is almost the whole of any possible description of this
hand-painted and photographically step-printed film, which exhibits
variably shaped small areas of color (in a dark field) that explode
into full frames of textured color interwoven with white scratch
patterns that create a considerable sense of interior depth and
three-dimensional movement.

« Il y a dans le monde une fracture très grave entre la science, d’un
côté, toute projetée vers l’avenir, et prête à renier chaque jour ce
qu’elle était la veille, si cela lui permet de conquérir même une
fraction de cet avenir, et de l’autre côté, une morale, raidie, figée,
et qui toutefois, elle, continue à tenir debout. Dans l’avventura, la
catastrophe est une impulsion érotique bon marché, inutile,
malheureuse. Car le héros -quel mot ridicule !- de mon film se rend
parfaitement compte de la nature grossière de l’impulsion érotique qui
s’empare de lui, de son inutilité. Mais ça ne suffit pas. Voilà un
autre mythe qui tombe, cette illusion qu’il suffit de se connaître, de
s’analyser minutieusement dans les plis les plus cachés de l’âme. Non, cela ne suffit pas. Chaque jour on vit l’avventura, que ce soit une aventure sentimentale, morale, idéologique. »

(Antonioni, à propos de L'Avventura, sur le site d'arte.)







" Telle une nouvelle bataille d’Hernani, la présentation houleuse de L’Avventura au festival de Cannes, cuvée 1960, contribua à scinder le monde cinéphile en deux camps : celui des tenants du classicisme et celui des trublions de la modernité. Le sixième long métrage de Michelangelo Antonioni, suscita en effet autant de louanges béâtes que de rejets épidermiques. Conspué avec véhémence pendant la projection, puis récupéré par des critiques et des cinéastes bien décidés à faire valoir ses qualités révolutionnaires, L’Avventura cristallisa les débats sur le devenir d’un art qui avait fait de la narration son enjeu principal. Mais de quoi est-il question dans cet apparent portrait de la jeunesse bourgeoise italienne ?
... Le cinéma moderne, tel que le pratique Antonioni et une poignée de ses contemporains, (citons pèle mêle, Resnais, Godard, Pasolini, le
jeune Bertolucci, Glauber Rocha, etc.) s’attache à démontrer ce qui
advient quand le récit « classique », hérité du modèle aristotélicien,
ne préside plus à la destinée du film. Libéré de ces contraintes
narratives pesantes, le cinéaste peut, en principe, amener son
spectateur sur des terrains inédits.
... Mais quarante ans après, peut être est-il temps de s’affranchir de
toute la littérature qui entoure cette œuvre pour laquelle fut forgée
le concept d’incommunicabilité. Peut être est-il temps d’enterrer la
vielle dichotomie Classique / Moderne, de brûler les exégèses et les
analyses (à commencer par les paragraphes qui précèdent) et de se
laisser envoûter par la beauté des plans antonioniens, captiver par le
visage de Monica Vitti, et embarquer dans ce voyage labyrinthique au cœur des passions humaines. Vœu qui a forcement quelque chose
d’utopique, quand on sait ce qu’un tel film représente dans
l’inconscient cinéphile mondial. Pourtant ce serait là rendre hommage à une œuvre courageuse et singulière : croyez-le ou non, pour une fois cet adjectif passe-partout n’est pas galvaudé. "

(Lire l'intégralité de l'analyse sur DVDClassiK, ICI )

" Une voiture roule lentement accompagnée du piano mélancolique d’Arvo Pärt. Un soleil omniprésent qui berce l’image d’un halo de lumière. Ainsi débute Gerry, la nouvelle merveille signée Gus Van Sant, une heure et demie d’une xpérience contemplative unique. Né d’un voyage en Argentine avec deux acteurs, Matt Damon et Casey Affleck également co-scénaristes du film, Gerry prend la pensée actuellement en cours à Hollywood à contre-courant. Ici, pas de narration implacable, pas de psychologie appuyée, peu de dialogues: tout s'établit par le visuel, les sensations, les non-dits, les silences... Deux hommes et le désert suffisent pour raconter l’humanité. Gus Van Sant étire de sublimes plan-séquences jusqu’à l’hypnose, jouant divinement sur la dilatation du temps pour nous faire ressentir les doutes des deux personnages, perdus dans une nature immense et magnifique. L’amitié cède peu à peu au malaise, la balade vire au cauchemar. "

(Lire la suite de l'article sur Film culte, ICI )


" Même métamorphosé en cinéaste ultraformaliste, Gus Van Sant reste un Américain pétri de croyance dans les pouvoirs de la fiction. Il reste aussi celui qu'il fut au temps de My own private Idaho : un auteur épris de ses personnages, attentif à les acheminer vers un destin. D'où un film généreusement hybride, d'abord drôle et absurde, puis tout à la fois abstrait, sensoriel et épique. Plus Gerry et Gerry se fourvoient de canyons en dunes, plus la dimension physique de leur dérive est palpable, dessèchement, brûlures, suffocation, jusqu'à la naissance des mirages, la perte de soi. Le travail expérimental du cinéaste prend alors tout son sens : Gerry est une machine à produire des états seconds. L'étirement hypnotique des séquences, le jeu des travellings avec la cadence des pas conjoints de Matt Damon et Casey Affleck, les musiques planantes d'Arvo Pärt, la danse accélérée des nuages, tout
concourt à instaurer un régime de réalité limite, à la frontière de l'hallucination et de la transe. « L'épouvante est le propre de l'impression que produit la beauté », écrivait le poète Leopardi. Il en va ainsi des espaces traversés, Vallée de la Mort, déserts de sable ou de sel blanc : leur majesté aride à perte de vue n'a d'autre effet que de renvoyer les deux marcheurs exsangues à l'hypothèse de leur solitude absolue et de leur disparition. Du coup, c'est une autre frontière qui
menace de s'effacer : celle qui sépare la civilisation de la barbarie. On n'en dira pas plus, mais pour peu qu'on aime interpréter l'inexpliqué, Gerry est un film de rêve, ouvert à toutes les spéculations romanesques, existentielles, allégoriques. Ce qui n'interdit pas de l'aborder avec, au contraire, l'imagination à marée
basse, en prenant à la lettre le régime sec infligé aux deux protagonistes : se délester de tout pour se laisser éblouir davantage, et encore mieux se perdre. "

(Lire l'intégralité de la critique sur Télérama, ICI )